転成してなお
岐阜県美術館学芸員
廣江泰孝

　近作の「万葉より」から。遠くから流れ着いた時間を感じさせる。一つに、万葉集という時代観がもたらす、古から連綿と続く時間がそう思わせるのかもしれない。墨やコンテで和紙を埋め尽くした文字は、和歌の成り立ちとは遠いところで、絵画的な調和を保っている。一度、味岡の手から溢れ出した文字もまた、時空の海をたゆたう存在である。文字の並びが見せてくれる表情の豊かさとは、芸術と名のつくものが皆そうであるように、観る者の心の眼が感受するものであり、受け取り方は人様々である。文字の成立と継承という観点において、それは書における伝統と革新の問題とは異なる谷あいから、同じ山頂を目指しているかのようでもある。
　今回は、これまでの墨による制作で反故とした和紙を裁断し、それを用いた作品だと聞いた。以前の自分が残る紙の上で、羅列する文字の陰影は、いつもと同様に紙面を埋め尽くしているのだが、殊に量感が急激に増している。伸びやかな文字列で、楔が打たれるような、猛る太い線や点は、別次元へのゲートのようにも見える。これまでに様々な素材や表現方法を用いながらも、透徹した見方、接し方において制作してきたこの作家が、過去の制作の痕跡を素材として取り組んだのが今度の作品である。
　反故とした和紙もまた、紙の持つ柔らかな肌理と墨の凛とした香りがよく馴染み、太い筆の作りだす烈しさを、何処か静謐な空間へと鎮めるような印象をもたらす作品であったに違いない。コンテの描線と以前の墨跡との、または紙との折衷を表現したのではない、視覚的な層状を感じる。今回の制作のために紙は切断され、墨のかたちは元をたどることはできないが、時間を超えてなおマチエール同士が分断せずに、また完結することもなく、その流れるイメージは途切れることはない。書く、描くという枠組みを超えて、新しい邂逅を示唆してくれるような作品である。
　味岡伸太郎は、本来在るべきものの外形と内面を対峙させるような、それらをあざやかに視覚化することに長けた作家として知られる。ライフワークとなっている「文字による作品」は、時代を表記したことへの単純な距離間だけではなく、和歌の意味性や文字同士の重みや軽みまでもが綯い交ぜになった空間を発生させている。降注ぐように放たれた文字の流れの中で、目に留まった文字が、言の葉を理解しようとする感覚までも連れてくる。その混在した意識の中で制作されてきた「文字による作品」は、今日の画一化した文字媒体への警鐘を含んでいるのかもしれない。
　味岡にとって文字をドローイングするということは、その時々の自分と直接的に向き合う行為であり、とすれば今回の過去の自分とともに自照した時間を持つ作品の発表は、これまでと根本的に異なるところへと、確信をもって歩みを進めたことを告げている。それは今制作の前に、一年以上かけて取り組んでいた野花による生花に端を発する。日々生けては見つめ続けた花の風姿に、これまでの自分と異なる活かし方を学ぶところが多かったのではないか。その後、無性に文字と向き合いたくなって、反故にしていた紙に堰を切ったかのように取り組んだのが、今回の「万葉より」である。

　この展覧会では他に2種類の取り組みが発表されているので、少しばかり紹介しておく。「填より」と題されたアルミニウムと木の組み合わせによる鋳造作品から。決して融解し合わない、判然とした物体同士の性質を理解しているにも関わらず、主張し合う互いの立場から発する、緊張感を失わない作品である。しかし、硬質な金属は溶かされ方形に流し込まれることで、柔和なイメージへと一変する。固まる時に刻まれる表面の模様は、型に沿って流れた時にできたものであろうか。木の塊は声無き力強さで燃焼し、炭化する状態に応じている。溶けたアルミニウムの充填具合と、その凝固とともに、木にも表情がつくのであろうが、その表面を幾度となく熱で焼かれようと、切り取られた形を失わない。その強さが作品に現れることで、互いに律し合う虔粛な関係を貫いている作品である。
　もう一つ、陶による作品。「割より−陶−」は、成形後に二つに割られて分離することなく焼成した作品。「破ける」や「裂ける」といった受動的で曖昧な状態や、結果「壊れる」というイメージとは異なる、作り手の行為それ自体が表現となっている。焼成して出来上がった作品には、気負いのない土の性質を活かした形が提示されているが、それは土の塊から創られた味岡の思考の形でもある。土の粘性が生み出す形の面白さを、楽しませてくれる作品に仕上がっている。

　味岡伸太郎の作品に一貫して流れるテーマは、素材が持つ秘めた存在感を髄とし、それを表出させるということであろう。しかし、今回発表された作品は、以前からこの作家に強く感じるセンスからの展開だけではない、この世界で通底して流れていくものを転成させ、問いを投げかけることによって新たに流れてゆく時間が創り出したものであるかのように思われる。それは転成してなお色褪せない出来事なのかもしれない。



Now that there is a change
Yasutaka Hiroe
Curator, Art Museum, Gifu Prefectural

Looking at Ajioka Shintaro’s new serial work, “From Man’yo” (Man-yoh yori), time can be felt, flowing to the present from far away. This impression may result from the continuity of time since the old times when the classical Man’yoshu waka anthology- the, “Collection of Ten Thousand Leaves”- was written. Be these works of Japanese characters drawn in either ink or chalk, covering the whole of the paper, as removed as they may from the waka of that collection: they do sustain pictorial harmony. The characters that flowed from Ajioka’s hand some time: they, too, keep existing in the sea of time and space.

The wealth of expression in these rows of characters makes itself felt to the spectator’s inner eye, as indeed does everything to which the name of art applies; the way it does depending on the spectator. Using old writings and doing, as Ajioka does, something new with them seems to be completely different from calligraphy writing with its balance between tradition and renewal; anyhow, both seem to be heading for the same high goal.

As far as I know, for these new works, pieces cut out of thrown-away earlier ink studies have been used. The shadows of characters written in rows fill the paper as they had done before, giving, however, a much more massive impression now. Into the rows of the characters, raging lines and points have been driven like wedges, looking like gates into another dimension. This artist always has put his materials, his ways of expression, no matter how different from each other they have been, to good use by his penetrating way of looking at them, and handling them. For these works, what he used was traces and materials of earlier work.

Those thrown-away papers he used must have been in themselves spaces of peace, where the thick brush with all its severe intensity could calm down. The soft texture of the Japanese paper and the cold, clear smell of ink go well together. Moreover, what chalk lines have been drawn new do not even attempt to compromise with the earlier ink: rather, the whole feels optically stratified. Papers used having been cut, the original ink forms cannot be traced any more. Still, although the materials stem from different times, they don’t close against one another, or get concluded in themselves; producing an image of continuous flow instead. Beyond the mere writing, or painting, these works point to new encounters.
Ajioka Shintaro is well-known for his juxtaposing of outward and inner forms of things that are meant to be, and making them visual. The so-called “Works from Characters”, which may be called his life-work, first of all build up a space emphasizing temporary distance to the past, and further on, a space in which the meaning of the waka poems and the heaviness, or lightness, of the written characters are intertwined. Where, in the flood of characters streaming forth, the eye gets stopped by one single character, the observer’s wish to understand the word goes with it, too. Thus, these “Works from Characters” may contain an alarm bell against today’s standardized written medium.

Drawing characters is, for Ajioka, always a confrontation with himself. In this respect, the exhibition of these new works announces his progressing, with conviction, onto new ground. New, since the time depicted is one of personal reflection on his past. The origin may be seen in the artist’s producing, for more than a year before these new works, ikebana from wild flowers for more than a year before these new works. Handling flowers every day, and looking for a long time at them too, may have taught him many new ways of using his materials. After this, the irrepressible urge to face and tackle written characters arose, making him use thrown-away ink papers, as if a dam had been broken. This is how the series of “From Man’yo” evolved.

There are two other sorts of new works exhibited here; let me say a few words of introduction. First, the casting works combining aluminium and wood called “From Fillings” (Ten yori). Knowing well about the diverging natures of the two materials, which will never melt together, he creates objects full of tension all the same, making the hard impression turning into a soft one by casting the molten metal into a cubic form. The surface pattern may have emerged when the metal ran along that form. The massive wood keeps burning soundlessly and strongly, becoming coal. How often it may have burned, it never lost the originally cut form, with a new expression added through the molten aluminium. This makes the power of the wood tangible; the whole work is permeated by a sort of quiet respect between its two materials.

The other works are earthenware. Called ‘From Broken Pieces - Pottery’ (Katsu yori - earthenware -), they have been broken in two after modeling, but baked as one piece. Nothing of the passive, vague state of “breaking”, or the resulting picture ‘broken’ can be felt; rather, the act of creating becomes expression. In the resulting works, we find a form that suits the quiet, elastic features of earth, which is a form, made of a clay lump, of Ajioka’s thinking, too. The viscosity of the earth brings about such interesting forms, in works we can be happy about.

The topic of all Ajioka Shintaro’s works may be, to use the hidden presence of the material, and emphasize it, as its real core. These new works are, however, not just a variation on this topic, brought about by the artist’s known sensibility. Rather, they seem to be created by time itself, time, which makes the things change that are flowing within this earth, and which keeps flowing again by questions what change this is. Here, we see something happen that is all the more colourful, and powerful, now that there is a change.

割より「陶」